Henri Labrouste (1801-1875) jau sen ir atzīts par vienu no nozīmīgākajiem 19. gadsimta Francijas arhitektiem. Kā tāds, kurš apvienoja racionālismu, gaismu un klasisko ietekmi, veidojot savu arhitektūras valodu, nav pārsteidzoši, ka Labrouste darbs bieži ir izraisījis diskusijas un diskusijas. Atzīmējot 2013. gadā, izmantojot sadarbības izstādes Modernās mākslas muzejā un Cité de l'Architecture et du Patrimoine, ir skaidrs, ka Labrouste darbs un ietekme joprojām ir aktuāla.
Pjērs-Fransuā-Henri Labrouste ir dzimis Parīzē 1801. gadā, viens no četriem dēliem, kas dzimis advokātam Fransuā-Marī Labrouste. Astoņu gadu vecumā Labrouste iestājās cienījamajā Collège Sainte-Barbe Parīzē, pirms tam 1819. gadā tika uzņemts École Royale des Beaux-Arts otrajā klasē. Lebas-Vaudoyer darbnīcas dalībnieks, viņa ievērojamais talants drīz kļuva acīmredzams. un viņš tika paaugstināts par pirmo klasi 1820. gadā. Nākamajā gadā viņš sāka sacensties par Grand Prix de Rome un neveiksmīgi veica savu pirmo mēģinājumu, ieņemot otro vietu. Tomēr pēc tam, kad 1823. gadā ieguva departamenta balvu, viņam tika dota iespēja darboties kā inspektoram līdzās Étienne-Hippolyte Godde, un pēc tam viņš 1824. gadā ieguva Grand Prix de Rome ar savu dizainu Apelācijas tiesas ēkai..
Šo panākumu rezultātā Labrouste piešķīra vietu Villa Medici Romā, lai piecus gadus (1825-1830) studētu Romas celtniecību. Tur viņš sastapa Žana Nikolasa Luija Duranta funkcionālistiskās teorijas un, protams, klasiskās itāļu struktūras, kas vēlāk ietekmēs viņa slavenākos dizainus. Viņa laiks Romā arī izraisītu diskusijas, ar kurām viņš bieži tiek saistīts; gadu pirms atgriešanās Parīzē Labrouste sagatavoja Paestum tempļu restaurācijas pētījumu, un tieši šis ļoti strīdīgais darbs izraisīja pretestību starp Labrouste un tradicionālistiem Académie des Beaux-Arts. Pusgadsimtu vēlāk joprojām tika atzīta Paestum zīmējumu ietekme uz akadēmisko dogmu. Viņu gandrīz revolucionārā nozīme nostiprinājās, publicējot 1877. gadā gotisko atmodu arhitektu Eugène-Emmanuel Viollet-le-Duc, aprakstot pētījumu kā “diezgan vienkāršu revolūciju dažām ziloņu folio papīra lapām”.
Pat gadsimtu vēlāk netika aizmirsta šī pētījuma nozīme ne tikai attiecībā uz Labrouste karjeru, bet arī attiecībā uz arhitektūras jauninājumiem kopumā. 1978. gadā pēc Modernās mākslas muzeja izstādīšanas “Beaux-Arts”, kurā bija redzami paši zīmējumi, Pīters Smitsons stāstīja Londonas Arhitektūras asociācijas auditorijai: “Viņš izgaismoja bultu spalvu un ēnu ēnas. vairogi, kas piestiprināti pie kolonnām, ir uzzīmēti tik viegli, ka gandrīz neiespējami ticēt, ka to izdarīja cilvēka roka. Tas ir labākais atveidotais zīmējums, ko jebkad esmu redzējis. Vienā garā divu matu sabala suka pieskārienu zīmējums darbā atklāj divas valodas: pastāvīgā auduma valodu un tā stiprinājumu valodu - to, kas turpina arhitektūras ideju, un to, kas ir to izmantotāju pienākums. '
Nākamajā gadā atgriezies Parīzē, Labrouste aizcēlās no romantiskās skolas, kurā 1830. gados dominēja arhitektūras domas, tā vietā, lai vadītu pats savu darbnīcu un instruētu studentus par jaunu materiālu izmantošanu, kas ir ēkas funkcionālā svarīgums, un māksla apvienot minimālismu ar atzinību par klasisko rotājumu. Kad viņa studija tika slēgta 1856. gadā, enciklopēdija arhitektūra atzīmēja Labrouste skolotāja un vadītāja darbu, apkopojot viņa filozofiju kā “ideju, ka ēku projektēšanai arī vajadzētu būt piemērotai un pakārtotai darbībai un ka dekorēšanai vajadzētu būt dzimušai no būvniecība izteikta ar mākslinieciskumu. ”
Savas karjeras laikā Labrouste piedalījās daudzu konstrukciju un ēku projektēšanā, sākot no viesnīcām un beidzot ar kapiem un pieminekļiem. Tomēr neapšaubāmi tieši Labrouste visbiežāk tiek atpazīta viņa divās iespaidīgajās Parīzes lasītavās, proti, Bibliothèque Sainte-Geneviève un tā, kas mūsdienās pazīstama kā Salle Labrouste Bibliothèque Nationale de France (Rue de Richelieu). Jaunumi šajās konstrukcijās pastāv, kad Labrouste izmanto dzelzi - rūpniecisku materiālu, kura šajās bibliotēkās ir parādīts gan elegances, gan funkcionalitātes potenciāls.
Valsts franču valodas bibliotēka © Filip Tejchman
1839. gadā Labrouste pasūtītais Bibliothèque Sainte-Geneviève bija pirmais arhitekta lielais projekts un iespēja viņam parādīt ieceres pamatotību, iebilstot pret to. Bibliotēkas plašais, iegarenā ārpuse tajā laikā pati par sevi bija neparasta, savukārt tās izskats liecina par līdzīgu utilitārisma izmantošanu ēkā. Salīdzinot ar askētisko ārpuses varenību, interjers tomēr ir pārsteidzoši delikāts, ko raksturo tā vieglums un vienkāršība. Sešpadsmit dzelzs kolonnas, kas virzās pa istabas centru, sadala šo plašo interjeru divās mucveida velvju jūrās, kuras atveido sarežģītas metāla arkas, tomēr uzmanība joprojām tiek pievērsta telpas galvenajam mērķim - mācībām un studijām. Atliekot koncentrēties uz intelektuālas un stimulējošas atmosfēras radīšanu, Labrouste ēkā arī iekļāva gāzes apgaismojumu un bija viens no pirmajiem arhitektiem, kurš to darīja. Izmantojot šādas inovācijas, Bibliothèque Sainte-Geneviève, šķiet, iemieso Labrouste pārliecību, ka funkcionalitāte, ja tā tiek veidota ar mākslinieciskumu, ir izteiksmīgākā un izdevīgākā dekorācijas forma.
Bibliothèque Sainte-Geneviève grīdas plāns © ONAR / WikiCommons
Turpinājis attīstīt savu stilu nākamajos gados, Labrouste tika pieņemts darbā, lai paplašinātu Bibliothèque Nationale de France, pievienojot galveno lasītavu un vietu kaudzēm. Šī Labrouste projektētā lasītava kopš tā laika ir kļuvusi par bibliotēkas galveno tēlu, un tajā ir arī paša arhitekta vārds. Vēlreiz izmantojot dzelzs konstrukcijas, par kurām viņš tagad ir pazīstams, Labrouste novietoja 16 dzelzs kolonnas, kuru diametrs bija tikai viena pēda, ar intervālu visā telpā, lai izveidotu plašas, 10 metrus augstas telpas. Dabiski „zenitālā” apgaismojuma filtri starp šīm kolonnām, jo tie atbalsta deviņus seklus kupolus, katram no tiem ir savs okuluss; šo kupolu neitrālie toņi un smalkais rotājums veicina telpas mierīgumu, nodrošinot lasītājiem un domātājiem ideālu vidi, kurā strādāt.
Lai arī viņš bija pārliecināts, ka viņa bērēs nevajadzētu uzstāties, mirušie, kas rakstīti visā pasaulē, ir apliecinājums tam, cik milzīga ietekme uz moderno arhitektūru viņam bija. Viņa ietekme tiek atzīta neskaitāmos stilos, skolās un atsevišķās konstrukcijās, ieskaitot neoklasiskās formas, gotisko atmodu Francijā, Luisa Sulivivana, “debesskrāpju tēva” darbu ASV un pat dzelzsbetona izmantošanu. Pēc viņa nāves Karaliskais britu arhitektu institūts publiski atzina savu ietekmi uz arhitektūras mākslu, piedēvējot viņam “enerģiskumu un vitalitāti, kas ir radījusi un virzījusi ļoti oriģinālās mākslas izaugsmi, kas iezīmē Francijas otro skolu. šī gadsimta ceturtdaļa. ”
Kopš viņa nāves 1875. gadā Labrouste inovāciju sekas arhitektūrā ir atkārtoti definētas, identificējot viņu kā patiesības arhitektu un kā cilvēku, kurš izmantoja tukšumu un gaismu. Pirmās modernās un mūsdienu arhitektūras vēstures L'Architecture française du siècle autors Lūcijs Magne diskutēja par Labrouste “jūgendstila” jēdzienu jau 1830. gados, apliecinot viņa savdabību sava laika romantisma arhitektu vidū. Grāmata tika izdota 1889. gadā, lai saskaņotu to ar Exhibition Universelle - gadatirgu, kura mērķis bija parādīt Francijas modernitāti pēc pēdējo simts gadu satricinājumiem un revolūcijas. Šīs modernitātes simbols un ieeja gadatirgū bija Eifeļa tornis, milzīga konstrukcija, kas veidota, izmantojot kaltas un čugunu, monumentāla konstrukcija “dzelzs kārtībā”, kuras izveidotāju nosaukusi Labrouste.
Tāpēc šī franču arhitekta nozīmīgums acīmredzami nav aizmirsts. 1902. gadā Labrouste krūšutēls tika novietots Bibliothèque Nationale, un 1953. gadā arhitekts atkal tika pieminēts bibliotēkas pirmajā darbu izstādē. Pavisam nesen, 2013. gadā, Bibliothèque Nationale sadarbojās ar Ņujorkas Modernās mākslas muzeju un Parīzes Cité de l'Architecture et du Patrimoine, lai izstādītu savus darbus plašākai auditorijai nekā jebkad agrāk. Izstādē Ņujorkā bija vairāk nekā 200 darbu, sākot no oriģinālajiem zīmējumiem un beidzot ar modernām filmām un modeļiem, un tā bija 2013. gadā visvairāk apmeklētā arhitektūras skate visā pasaulē. Henrija Labrouste: Gaismas radītā struktūra bija pirmā viņa darbu personālizstāde Amerikas Savienotajās Valstīs, un, protams, tas nebūs pēdējais.
